Dal loggiato del primo piano, tendo cavi d’acciaio, disegno nello spazio un cuneo che attraversava il bronzo del Napoleone di Canova e si impunta con il vertice nel pavimento del cortile di fronte all’ingresso principale. L’idea è quella di destabilizzare l’identità architettonica del luogo.

Simulazione su cartolina postale con taglio e carta fluorescente. L’intervento sarebbe consistito nell’impacchettamento dell’opera scultorea di Giulio Cozzoli con fogli di carta fluorescente.

Ricopro la parete di un palazzo del seicento con fogli di carta bianca sui quali appendo in sequenza dei sacchi pieni di spazzatura per contaminare una realtà architettonica pregevole con un gesto s-pregevole della società dei consumi. Dopo l’intervento a Brera, anche questa operazione ha come obiettivo la contaminazione dell’identità.

Vivere a Milano mi porta ad essere lontano dai luoghi d’origine e la cultura metropolitana è in antitesi a quella agricola nella quale mi sono formato. Sento il problema dello sradicamento identitario e voglio evidenziarlo con un’azione che sottolinei il legame alla mia terra. Lego me stesso al territorio con una lunga corda, metafora del mio cordone ombelicale che mi unisce alla grande madre (Matria) Puglia.

Simulazione su cartolina postale con taglio e carta fluorescente. L’intervento sarebbe consistito nella chiusura della cavità carsica con un tappo di legno compensato ricoperto con fogli di carta fluorescente.

Il sentimento di appartenenza e di radicamento alle mie origini mi porta a scegliere come luogo d’intervento un sito archeologico che era stato il primo insediamento dell’uomo già in età neolitica a Molfetta, mia città natale. Con una lunga corda e come un ragno, intesso una sorta di ragnatela all’ingresso di alcune grotte, lego la mia identità alla dimensione più geologica e antropologica delle mie radici. E’ un richiamo ancestrale, un ritorno all’utero materno, al mio stato fetale.

Lavoro sul tema dell’identità e mi ispiro a Luigi Pirandello per comporre delle nature morte con elementi provenienti dalla mia identità contadina uniti ad altri elementi (detersivi), simbolo dell’identità consumistica e industriale. Gli oggetti vengono prima presentati separatamente, come attori e poi progressivamente integrati fra loro in una specie di convivenza delle due diverse identità. L’opera, partita da studi fotografici, è realizzata con un trittico di tre fotografie cm. 50 x 70 ciascuna su cui intervengo con il bianco per azzerare il fondo.

Con la prima mostra personale dal titolo “Lectio Historiae” alla galleria La Bussola di Bari nel 1972, il lavoro sul tema dell’identità continua forzando sia gli accostamenti di icone che hanno significati molto diversi fra loro, sia adoperando una tecnica anacronistica come la pittura ad olio su tela. Compongo immagini che sono costruite montando insieme frammenti diversissimi recuperati soprattutto dalla storia dell’arte, ibridandoli fra loro. Si tratta di un recupero del linguaggio della pittura come linguaggio specifico, sento il bisogno della fisicità dell’opera, la documentazione fotografica di un’azione non mi basta più; sento ormai fastidio per la sola dimensione del pensiero e del concetto.

Mi servo spesso della fotografia e del collage per fissare delle idee come degli appunti di lavoro. Sono gesti freschi e immediati che mi piacciono molto; ne faccio diversi ma sono quasi tutti andati distrutti in un allagamento del mio studio in Via S. Orsola, 7 a Molfetta nel 1976.

Una nuvola di Leger, un bicchiere di Braque, una piantina grassa di Morandi e un fiore di Picasso poggiano indistintamente su un piano (collage). Gli elementi galleggiano sospesi nel tempo senza tempo della pittura

Sulle superfici sempre più disseminate di tantissimi rimandi, come i muri del centro storico della mia Molfetta su cui si sono stratificati i segni lasciati nei secoli, talvolta simulo geometrie sommarie, incapaci di operare un azzeramento e un raffreddamento. Sono geometrie dolci e semplici come quelle che può tracciare un contadino che misura il suo campo. La storia fertilizza le superfici dipinte e le icone raccontano della identità meticciata e contaminata, propria della dimensione dei popoli e della cultura mediterranea.

Sono anch’essi estratti dalla storia, da Paolo Uccello a Piero della Francesca, ridisegnati come per definire in proiezione ortogonale l’identità umana. La mia esperienza di agricoltore mi porta spesso a teorizzare delle pratiche specifiche di quella cultura come in questo caso, l’innesto. Innestare in un occhio un dettaglio (gemma) di Leger o di Picasso o di altri artisti, insiste sul bisogno di contaminare le immagini rendendo possibile la convivenza di diversità, così come su un albero di mandorlo mio padre poteva innestare e far vivere un ramo di albicocco o di pesca, ad esempio.

Sono un ciclo di lavori nei quali ridipingo contenitori storici contenenti cibi intesi come alimenti culturali. Contenitori nei quali si può trovare una minestra composta di macchie di colore impressioniste oppure di cuoricini di cioccolato Perugina, strappati da una scatola ed incollati su un’opera.

I fondi delle superfici sono sempre preparati stendendo e stratificando carte invecchiate su cui il tempo ha lasciato il segno del suo passaggio. Per me le superfici delle opere sono come la terra che coltivo e quindi devono essere fertili e ricche, concimate e disseminate di humus. La storia e le storie arricchiscono e danno spessore al presente. Utilizzo carte ingiallite, trovate e recuperate, spesso con frammenti di decori e lego il tutto con velature, macchie, pennellate.